Fotos: Liu Bolin y Divangely Castillo Hernández agradecimientos Ana Coronado
¿La vida imita al arte o el arte a la vida? Es una cuestionante que me ha perseguido desde que, en el año 2014, la actriz Jessica Lange interpretó Gods & Monsters, uno de los éxitos musicales de Lana del Rey, de su álbum Born to die, para una de las tantas producciones exitosas de Ryan Murphy. Y es que, a simple vista, la respuesta podría parecer sencilla, pero se va haciendo cada vez más compleja en la medida en que vamos experimentando esa relación bilateral que existe entre todo aquello que es arte y la fuente de inspiración desde donde nace.
Es una cuestión que exploro cada vez que tengo la oportunidad de conversar con artistas, como esta entrevista con Liu Bolin, artista chino que comenzó su trayectoria en las artes a manera de protesta, hace casi veinte años; y Fernando Varela, reconocido artista dominico-uruguayo, cuya trayectoria y obras hablan de él de formas que solo el arte puede expresar.
En mi conversación con ellos, esta cuestión estuvo más presente que nunca. Pero, pese a que no busqué su opinión al respecto, es una pregunta que quiero dejar en ustedes, nuestros queridos lectores, e invitarles a explorar las respuestas durante la próxima feria de arte FIACI, que se adueña de nuestro país a partir del 16 de abril de este año.
Ritmo Social: Quiero empezar la entrevista destacando el hecho de que, en tu arte, te haces invisible en un mundo en el que la mayoría de la gente quiere destacar. ¿Podría, quizás, explicar de dónde nace esto?
Liu Bolin: En el 2005, allá en China, el gobierno destruyó mi estudio, entonces fue cuando empecé a crear este tipo de arte donde me fundo dentro de los espacios. Fue mi forma de expresarme a través del arte; fue una forma de protestar contra lo que había sucedido con las autoridades chinas que comenzó en ese momento y que se ha mantenido en el tiempo con otras performances que he venido haciendo desde entonces.
Fernando Varela: Liu Bolin es un artista con una gran trayectoria, y creo que su obra, ante todo, es una obra muy personal, muy creativa y le ofrece a él la oportunidad de incursionar en diferentes espacios, sean estos exteriores o interiores; en diferentes atmósferas que él va eligiendo y, si bien él está, él parece ser no estar. Y me parece una obra íntima porque él, como tú bien decías, se sumerge de cierta forma en el espacio en el que hace el performance. Entonces, más que invisible, parece ser una obra de una lectura dual, porque él está ahí, observando el espacio, y uno (que observa la obra) termina descubriéndolo a él.
La razón principal para hacerse invisible es el pasar a formar parte de cosas, de lugares de la vida cotidiana que, a veces, pasan desapercibidas.
Liu Bolin
RS: En una entrevista para The Creators Project, hace unos años, mencionó que hace todo lo posible “por transmitir el significado de ser invisible”. ¿Qué significa eso para usted?
LB: Tiene un significado muy personal. La razón principal para hacerse invisible es el pasar a formar parte de cosas, lugares de la vida cotidiana que, a veces, pasan desapercibidas en nuestro día a día, pese a que siempre están ahí. Entonces, esto tiene varios significados para mí; el primero, y más importante, está basado en un dicho popular chino que cita que “el cielo y la tierra son uno”, entonces veo este arte como una representación de que nada está realmente separado, todo está unificado. Por eso normalmente me enfoco en dos tipos de fondos, que son: primero el mundo natural, todo lo que tiene que ver con la naturaleza y lo que la compone, como, por ejemplo, en este viaje, se hizo una obra en las Dunas de Baní y también en el Parque Nacional Los Tres Ojos.
Y el segundo que se compone de las cosas creadas por el humano, por ejemplo, una obra artística (como esta colaboración con Fernando Varela) y todo lo que pueda ser de creación humana. Entonces, en síntesis, siempre me enfoco en estos dos tipos de fondos: los espacios de la naturaleza y los que resultan de la creatividad humana.
RS: ¿Cómo definirías ese trabajo que realizas en esos espacios?
LB: Mi trabajo es una expresión que viene desde el alma, es como esa inspiración que encuentras en lo profundo de ti mismo. En el caso del trabajo que realizo, yo creo que el artista es como el canva, es el envase donde se expresa toda esa inspiración que se quiere transmitir. Pero las obras que resultan de esa inspiración, en el momento de colocarse en una galería, ya se convierten en todo un conjunto de expresiones de varias situaciones.
RS: Comenzaste con estas obras en 2005, en China, tu país natal. Hasta ahora, casi 20 años después, ¿cuál es tu motivación para seguir haciendo este tipo de arte donde te fundes en un espacio y te vuelves casi imperceptible?
LB: Es una pregunta que me hago constantemente. He reflexionado mucho sobre ella. Fuera de estas obras que hago, tengo otras como pinturas, montajes e instalaciones y ahí, por ejemplo, uso otro tipo de técnicas. Y una de las motivaciones que me permiten seguir haciendo obras para camuflarme o volverme invisible, es que el mundo de ahora y el de hace veinte años tiene problemas completamente diferentes; por ejemplo, tenemos la guerra entre Rusia y Ucrania, la situación entre Gaza e Israel; entonces, realmente en el tiempo aparecen nuevos temas que funcionan para continuar expresando esa motivación inicial que tuve de hacer este tipo de arte.
Y, a pesar de que comencé en China, he tenido la oportunidad de expresarme alrededor del mundo, lo que ha hecho de mi arte no solo una expresión individual, sino también esa necesidad de representar a muchas personas en diferentes lugares.
Quisiera que mi arte fuese tema de discusión, sobre todo ahora que, después de la pandemia, hay muchos más temas que discutir.
Liu Bolin
RS: ¿Qué significado tenía el arte para ti antes de convertirte en artista?
LB: Siempre estuve inmerso en el arte y para mí ese era mi talento, esa era mi habilidad. Cuando estaba en primaria, antes de comenzar mi carrera como artista, me había dado cuenta de que tenía más talento para dibujar y pintar, era más creativo que la mayoría de mis compañeros y otras personas de mi edad. Fui forjando mi autoestima como artista en el proceso de formación profesional. Cuando teníamos que dibujar algún nuevo modelo, el profesor se me acercaba a preguntar si lo había hecho antes; ya al momento de graduarme del bachiller, muchos de mis compañeros se acercaban a mí por ayuda para las clases de dibujo.
RS: Como artista, haciendo algún tipo de activismo con tu obra, más allá de lo emocionante del desafío visual, ¿qué quieres comunicar al espectador, a los que se encuentran con tu arte?
LB: Tengo expectativas diferentes con mis obras, depende de quién la experimente. Uno es para con las personas que trabajan en el mundo del arte, para ellos quisiera que mi arte fuese tema de discusión, sobre todo ahora que, después de la pandemia, hay muchos más temas que discutir. Por ejemplo temas relacionados con la naturaleza. Mis expectativas, en este sentido, son mucho más amplias porque también me gustaría que mi arte sea un incentivo para que otros artistas se desafíen a mejorar sus técnicas. Me gusta crear círculos con artistas jóvenes y artistas reconocidos y, como te comenté, generar conversación sobre lo que se puede hacer en el futuro a través de las artes.
En el otro ámbito, sería con las personas que no están involucradas en este mundo, pero que aprecian el arte en todas sus formas. Porque mi arte es como una invitación a la reflexión sobre las cosas que están pasando ahora y sus posibles consecuencias en el futuro, es como invitar a la observación para encontrar solución a posibles temas del futuro.
RS: ¿Cómo se logra esto que dices desde el tipo de arte que creas donde te fundes en un espacio y te haces parte de él?
LB: Los performances que he hecho aquí quizás no tengan el mismo impacto que mis trabajos anteriores. Pero, por ejemplo, hice un trabajo en Beijing en el año 2015, cuando había un problema muy fuerte de contaminación; y lo que hice fue que comencé a hacer lives en redes sociales para transmitir un mensaje de concienciación. Pero lo interesante de este performance, de esta obra, fue que me pinté para camuflarme en el ambiente, en el aire denso y contaminado de China, y la manera en que lo hice fue cubriéndome de celulares colocados sobre un chaleco salvavidas alrededor del torso, y todos los celulares estaban grabando el entorno, que era como desaparecerse en el ambiente. Entonces, la intención de esto fue crear conversación sobre la gravedad de la contaminación ambiental desde una perspectiva distinta donde el artista presenta una realidad desde su óptica. Con esta performance lo que hice fue aprovechar esa visión artística y mezclarla con la tecnología para llevar un mensaje a todos aquellos que observaban.
RS: Cuéntanos sobre el proceso de creación de la obra que hiciste en el Parque Nacional Los Tres Ojos, ¿qué viste allí qué te atrajo a crear una nueva pieza aquí en la República Dominicana?
LB: Lo que me atrajo de este parque fue lo virgen de su naturaleza y que transmite una belleza que es raro encontrar hoy en día, sobre todo en las ciudades y en países muy desarrollados.
RS: Cuéntanos sobre tu trabajo hoy con Fernando Varela, ¿cómo ha sido el proceso y qué ha significado para ti?
LB: Normalmente hago colaboraciones, sea con marcas o con otros artistas. Anteriormente había colaborado con otros artistas de América Latina, como el colombiano Fernando Botero, y es un proceso que disfruto. Siento que las obras de Fernando Varela tienen algo muy representativo de la cultura latinoamericana; lo veo en el uso de los colores, las formas, las líneas. De Fernando he aprendido sobre su perfeccionismo; él como artista tiene ciertos estándares, tiene esa exigencia de lo que espera de su propio trabajo y eso es algo que me llevo de esta colaboración. Es una persona muy agradable.
RS: ¿Qué podemos esperar de tu participación en FIACI y de la feria en general?
LB: Tengo altas expectativas sobre esta feria. Ustedes son un país turístico que atrae a muchas personas, sea que vengas a disfrutar de unas vacaciones o que estén aquí por trabajo, estoy seguro que todos podrán disfrutar de todo lo que FIACI traerá a los amantes del arte, locales o internacionales.
RS: ¿Consideras que este tipo de actividades son importantes, o incluso relevantes, para con la sociedad?
LB: Claro que sí. Y lo considero así porque tengo la certeza de que el arte influye en la gente, en la sociedad y sé que muchas otras personas tienen ese mismo punto de vista, esa forma de ver el arte.
RS: ¿Qué le llevó a usted a aceptar esta colaboración? ¿Ya conocía su trabajo antes de esta colaboración?
FV: Sí, ya conocía el trabajo de él. Lo había visto, mayormente en sus redes sociales, y cuando surge la posibilidad y la invitación a hacer una obra en colaboración, pues a mí me pareció fantástico, porque lo estamos haciendo sobre una obra mía y la experiencia es sumamente divertida.
Además, no es solamente la obra en sí, sino el proceso de la obra. Es un momento un poco tenso, por lo que uno (como artista) requiere, lo que requiere la obra de nosotros y lo que requerimos de los artistas que nos colaboran para hacer la pintura. La obra mía, en particular esa serie, tiene muchas veladuras, muchas transparencias, y todo eso es un desafío, tanto para Liu, que es su obra, como para mi que soy parte de ella, y para los artistas que tienen que lograr lo que nosotros queremos plasmar, porque si no, no quedamos lo suficientemente fundidos en la obra.
RS: ¿Cómo fue trabajar con Liu Bolin, tomando en cuenta que tiene una cultura tan diferente a la suya?
FV: Fue un proceso sencillo. Yo pienso que por la experiencia en este tipo de performance, uno va aprendiendo a integrarse en diferentes ambientes, con artistas diferentes; entonces, él es una persona sumamente llevadera; y yo, como todo artista, a veces soy un poquito exigente, pero en este caso no, porque él es una persona educada, muy agradable, muy cortés, y a la hora de trabajar en la obra ya fue mucho más fácil hacer el trabajo.
RS: Y hablando de la obra seleccionada para esta colaboración, háblenos sobre esta pieza y el motivo por el que fue seleccionada.
FV: Esa obra es un díptico que tenía terminado hacía unos dos meses. Es una obra de una serie que se llama “Close-ups” y, entre las que tenía a disposición del proyecto, elegimos esta porque se requería una obra de cierto tamaño, de una altura como la que conseguimos y, finalmente, pues nos decidimos por esta y creo que la vamos a exhibir también en la feria. O sea, la pintura sola y la obra en colaboración con Liu que estará en su espacio.
Obviamente, él la vio; vio mi trabajo –porque tiene que saber con quién es que se va a reunir– ; él solo había hecho estas colaboraciones en una ocasión.
RS: Usted va a tener su propia exposición dentro de la feria. ¿Qué podemos esperar de las obras de Fernando Varela?
FV: Vamos a ver un grupo de obras nuevas. Uno de los deseos de la organización de la feria era que los artistas locales que participan presentaran obras no exhibidas anteriormente. Y tiene lógica; porque para el público nuestro tienen que ser obras preferiblemente no exhibidas nunca. O sea, que todo en la feria tenga la misma novedad. Yo participaré quizás con tres esculturas y tres o cuatro pinturas grandes.
